KIM SUN HYOUNG
GARDEN BLUE-From Reading to Sensing
garden blue_120×120cm_2010
소울 아트스페이스
soul Art Space
2010. 11. 5(금) ▶ 2010. 11. 28(일)
오프닝 2010. 11. 5(금) PM 5
부산광역시 금정구 구서1동 485-13 | T.051-581-5647
garden blue_120×360cm_2010
"읽기에서 감각하기로"
초서(草書)를 단순한 붓글씨의 하나로 이해하기에는 협애하다. 초서는 퍼포먼스와 의미를 안고 문자를 넘어서는 포월(匍越)이 있다. 김선형의 초서를 닮은 선은 치고 빠지고, 치켜서다 급박하게 내려선다. 대상에 다가가다 코앞에서 멈춰 서서 묘사를 부정하고, 때로는 은근하게 속도를 죽여서 필획을 대상 속에 스며들게 한다. 그의 선은 화면 내의 모든 요소들을 의미와 의미부정 사이에 방기한다. 그의 작품에서 광초서의 일면을 목격하게 되는 것은 그런 때문이다. 문자도 문자 아님도 아닌 것의 세계이다. 문자적 의미를 벗어나는 이미지이자 문자적 의미를 거부 하지 않는 이미지인 것이다. 의미를 주면서 의미를 탈취하는 쓰기이다. 대상을 필획으로 해석하면서 대상을 읽기가 아니라 감각하는 것으로 만든다.
몇 가지 안료를 섞어 만든 푸른색의 물감을 장봉에 묻혀 한지 위로 직입하는 그의 태도는 화면에서 긋는다는 행위 외 확인할 어떤 것도 제시하지 않는다. 붓을 긋고 떼는 순간 물감은 튀고 획은 흩어지면서 파선을 남긴다. 그것이 그대로 화면에 남는다. 역입의 순간에도 마찬가지이다. 가로로 질러나가거나 되돌아오면서 사선으로 붓을 거둔다. 거대한 광초서의 화면은 글자도 아니고 묘사도 아니고 단순한 행위만도 아닌 독자적 이미지가 된다.
붓과 물감이 한지에 묻은 후 시간의 경과에 따른 흡입과 정착이 남는다. 그런 후 흠뻑 적셔주는 한지 위의 물이 행위와 물감, 한지라는 물성끼리 만나게 한다. 그 만남은 시간이 만드는 물성의 관계와 변화에 의해 화면 위로 드러난다. 아니 정착된다. 그 정착은 작가의 의지와 무관하다.
붓을 대는 장력과 화선지의 반발, 물감의 물성이 순간적인 필획을 받아서 묶인다. 그리고 재빠르게 횡선을 그으며 미끄러지는 붓의 흔적은 선이라기보다 행위에 가깝다. 그 노골적인 행위와 물감은 그 후에 뿌려주는 물에 의해 조금 각이 무너지고 색이 흩어지고 사납던 기세는 누그러진다. 번짐, 스며듬, 정착으로 선과 색이 자연스럽게 한지 위에 자리를 잡고 안정된다. 그 뿐이다. 이제 그가 할 일은 잘 말려 패널에 종이를 붙이는 일만 남는다. 한 번의 붓질로 그의 의지는 충분히 반영되었고, 붓을 걷어내는 순간 시간이 나머지를 장악하고 드러낸다.
garden blue_120×540cm_2010
광초서(狂草書)에는 언어적 의미나 문자적 형상을 벗어나는 욕망이 있다. 폭발하는 감성적 급박함과 존재를 의미로 바꾸는 것에 대한 반발이다.
가로 540cm에 세로 120cm의 Garden Blue 앞에 서면 그다운 면모를 만난다. 소품에서 얻어내는 재기와 장악력과 다른 기량을 만난다. 크기의 문제가 아니라 마치 야산의 풀밭에다 시선을 내다놓은 것 같은, 산비탈에 서 있는 듯한 인상을 준다. 혹은 추수가 끝난 밭머리에서 바라보는 황폐함과 충만함에 다르지 않다. 마를 대로 마른 꽃대나 풀잎, 야생초를 바라보는 듯하다. 그러나 그 마름이 싱싱한 물기를 머금고 있다는 것에 그의 조형적 매력이 있다. 마른선이 물기를 머금고 다시 살아나는 것이다.
옅고 짙은 선, 번지고 웅크린 선, 면과 선의 경계에서 자유로운 흔적들, 선들은 겹쳐지고 서로 놓인다. 내리긋거나, 치긋거나 당기거나 밀어내거나 짧게 끊어주거나 찍는 흔적을 거친 풀밭들이 분양받고 자신의 성깔을 내놓는다. 서로 빗겨선 선, 가로 누운 선, 점들, 그 위로 물 붓기, 번짐, 정착이 시간이 지남에 따라 자연스러워진다. 그러나 그는 물감을 뿌리지 않는다. 긋는다. 철저하게 통제한다. 붓이라는 매개로 드러난 선, 점, 행위를 번짐은 이를 가두고 드센 기운을 누르고 서정적이게 한다. 거친 발성을 다듬어준다고 할까.
점과 선, 번짐과 응축, 한지 위의 선긋기와 물질하기 그리고 시간이라는 논리는 광초서를 닮은 앞 작품에서와 다르지 않다. 다만 어딘가 연상되는 정경을 피하기 힘들다는 차이가 있다.
그냥 풀밭 위로 쏟아지는 자신의 시선, 자신의 행위를 담는 붓의 흔적을 자신이 보아내는 것이다. 그의 작품 앞에서 문자언어로 의미를 읽으려 하거나 혹은 구체적 대상을 연상하려는 것은 처음부터 어긋난 접근이다. Garden Blue이지만 그곳에는 아무 것도 없다.
한 가지 도상들이 반복하여 나온다. 기호화된 도상, 도식화된 형태들의 이합집산이지만 그것은 묘사나 대상의 모방이 아니다. 곳곳에 보이는 새의 형상들은 반복의 리듬일 뿐이다. 풀잎, 갈대, 억색 따위의 형태들의 반복에 다르지 않다. 그 서걱거리는 소리, 선, 여백, 질감은 바니시로 처리해서 광택이 나고 질감효과 때문에 종이가 아닌 것 같은 느낌을 준다. 표면적인, 표면 자체로 주어지는 서체적인 기표이다. 표면으로 주어지는 것, 그것은 깊이를 피하는 것이고 의미를 비껴서는 것이다. 어떤 시선도 해석도 거부한다. 그저 행위와 시간과 물성의 만남이 있다. 그저 놓여 있는 풀밭이 있을 뿐이다.
강 선 학(미술비평)
garden blue_120×120cm_2010
“From Reading to Sensing”
It would be a very narrow, limited understanding that cursive handwriting is just a part of the style of Eastern Asian calligraphic practice. There are some aspects in writing a cursive character, one is performing an art practice, and another is to keep the meaning of the letter and to produce further more of the signification itself. The lines of Kim SunHyoung reminding the style of cursive writing are hitting and running, lifting its energy to the pinnacle and then sharply dropping to the ground. His lines are getting closer the object and then, all of sudden, it stops at the moment of the representation of the one, and at times, it gradually reduce speed of the strokes to become ingrained into the surface of the object. Furthermore, the lines that he is creating let all the elements applied in his painting leave the meaning open in-betweens accepting and the denial of it. That is why we may see certain aspect of the wild cursive handwriting in his work. It belongs to the world in which it is neither the letters nor the non-written-letters; it is the image released from the literal sense of the word as well represents the image not denying the signified; it is a practice to convey the meaning, at the same time, it is a writing taken the signified. Therefore, his practices in which he is interpreting the object with the lines and the work of strokes let the viewers sense it rather than see it. His gesture of heading straightforward to the rice paper carrying the long stick on which he puts blue paints mixed with some pigments leaves no evidence but a performance of drawing a line on it., The moment he was about to
take his brush off from the papers, some of the paints were sloshed out of the pressure and the lines were spreading out leaving the droppings and broken lines. The final result is remaining on it. The moment going back to the point where it starts would leave the same consequences. The artist’s moves and turns traverse
the canvas, turning back to it and eventually the brush is stopped diagonally at a certain point. Finally, the performing a wild cursive writing ended up with the massive field, where it leaves the independent image far from the letters, representations and even simple performance. With the passage of time there are effects of the absorption and the texture of surface after the application of water, color and brush on the paper. In the meantime the water puts on the surface of the painting right after the practice joins the artist’s practice, water, color and the materialistic attributes in the rice paper together. The joints between the elements of practice eventually come to the surface through the influence of the interrelationship with the materials and the change over time. But rather setting up the surface that is entirely nothing to do with the artist’s intention.
The tension forces to put brush on paper and the resistance forces on it, a property of matter in water color are combined with the pressure of the brushstrokes. Besides, all the traces of the stroke crossing a line quickly falling down are more of a performance rather than simply draw a line. His obvious performance, the application of color get subside its wildness, aggressiveness, soften up the angles little by little, spread out the colors by the spitted water right after the practice. The lines and color are very naturally occupying a place and getting to be settled on the paper with the effects of the running, absorption and setting up. That is all he can do in the course of art making. Now, the thing the artist should do is to dry it in a good condition and then put the paper on the panel as a final process. Only a stroke of brush his idea would be reflected enough, and since the moment he decelerates the stroke of brush and finishes the practice, the passage of time determines the rest of the quality and at the last moment it reveals all the aspect of the work.
In wild cursive writing, which is even more cursive and hard to read, there is a desire to transcend the limits of semiotics and the figurativeness which is given by the language. There has been a lot of resistance that the urgent move arising out of the expressiveness in emotional world and the shift from the forms of existence
garden blue_120×180cm_2010
to the meaning. Standing in front of his <Garden Blue>, 540 cm in width and 120 cm in height, we appreciate the genuine aspect of his work in which we see the special ability that how he has gained the total control in such a huge field that is a completely different management that of small size of work. It is not only the matter of the size of work but rather it may give you an impression that you are invited to the meadow nearby the hills, or you are standing somewhere in mountain slope. It might not quite different from getting the feeling of deserted, fullness of life appreciating the landscape after the completion of harvest. It is something like to see so dried plants such as flower stalks, petals and natural grasses. He, however, has the formative power to charm in the point that the dryness keeps fresh water. Consequently, the dehydrated lines in his painting come to life again keeping the moisture. Lines which are in high and low concentration, running over and shrinking against the paper, the released traces from the border between the sides and the lines, and each lines are overlapping, arranging. All the traces produced by the work of strait vertical line, making an upward stroke, pulling and pushing, dotting are taking the place over the wild grass and then has been displaying their temper. The applied techniques, the produced effects such a standing back lines, laying horizontal ones and dots, pouring water on the paper, running all over the paper and the final settlement are getting to be natural as time passes. Meanwhile, he is not sprinkling the color, rather he is thoroughly controlling the whole situation. Displayed lines whose medium is a work of brush, dots and the performing the art are turning to be lyrical repressing the aggressiveness through the particular process of running water over the paper. It can be said that tuning the voice to the right tone. In terms of dots and lines, spreading out and the contraction of water, drawing lines and watering on paper, and the logic of times passage, the present works do not vary from the previous works which remind us the wild cursive writing either. It is, however, hardly to avoid that there is a landscape reminds us somewhere. It is a self reflexive way of seeing in which the artist refers his point of view that is pouring on the grass and the trace of the work of brush stroke portraying his performance. The efforts to read his work as a written language or to associate the specific objects would be
far out of proper approach. Even it has the title, <Garden, Blue>, there is nothing to represent. Repetitive icon, signalized one, and the formulaic figures seem to be a group repeatedly reorganizing themselves, but they are not a description of the object, a representation of something at all. The birds shown in everywhere are only repeating rhythms which are quite not different the principle that is applied to the figures of the leaves of the grass, the reeds and the silver grasses. As the crunched sound, the lines and the margins are treated by varnish to give some texture, shiny and hard surface, the medium doesn’t look like a paper. This is a very epidermal written sign that is given by the texture itself, which is also to avoid the depth of the meaning. It resists to have any viewpoint and to be interpreted. There is simply an encounter of the performance, time and the property of the matter, and the grass field as well.
Kang Sun Hack(Art Critic)
garden blue_45×120cm_2010
■ 김선형
1963년 서울생, 홍익대학교 미술대학 및 동대학원 동양화과.
1988년부터 2010년까지 37회의 개인전 및 300여회의 국내외 기획,단체전에 참여
현재 | 국립 경인교육대학교 미술교육과 교수.
E-mail | shkim@ginue.ac.kr
vol.20101105-김선형展